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artistes

Aci trobaràs insoformacions sobre els projectes artístics i accés als seus dossiers descarregables o pàgines web en distints idiomes, que inclouen material audiovisual i detalls sobre els artistes.

Música antiga

Caro dolce ben mio

Marina López · Órgano y clave

Carlos Sánchez · Cornetto y flautas

Dossier CAT
Dossier EN
Dossier PT
Dossier ES
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# renacimiento # barroco

Programa:
DE SONES, TIENTOS, BATALLAS Y GLOSAS

El duo Caro dolce ben mio pretén apropar al públic diferents representacions de la música instrumental dels segles XVI i XVII a la península Ibèrica i a Itàlia, d’una manera accessible i variada, així com mostrar els diferents registres d’instruments com l’orgue, el cornetto i la flauta de bec. "De sones, tientos, batallas y glosas" és un programa en què es presenten alguns dels grans èxits del segle XVI, com Ancor che col partir o Doulce Mémoire, juntament amb diferències i tientos d’A. Cabezón i Juan de Cabanilles, així com de l’organista portuguès António Carreira, la seva “canção glosada” de la qual es troba als manuscrits conservats del monestir de Santa Cruz de Coimbra. Acompanyem aquestes peces amb exemples d’altres manifestacions de la música instrumental, com un conjunt de danses d’A. Falconieri, mestre de la Capella Reial de Nàpols, així com disminucions de G. Bassano, cornetista de San Marcos de Venecia; Bovicelli, cantant i membre de la capella de la catedral de Milà; i Diego Ortiz, violagambista toledà establert a Itàlia. En aquest repertori, el virtuosisme del llenguatge instrumental es complementa amb allò expressiu i allò vocal, donant com a resultat una gran varietat de colors i afectes. Descarrega els nostres dossiers per saber més dels artistes i del programa!

Texedores

Carlos Sánchez Leonardo · Cornetto y flautas

Sonia Rabasa · Cornetto y flautas

Maria Barajas · Viola da Gamba

Enrique Pastor · Viola da Gamba y vihuela

Dossier PT
Dossier ES
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#renacimiento # sacra

Programa I:
DE VOS Y DE MI QUEXOSO

El programa que presenta Texedores, De vos y de mi quexoso, aprovecha el quinto centenario que se cumple en 2026 del matrimonio entre Carlos V e Isabel de Portugal para aproximar piezas polifónicas de ambos lados de la frontera. El villancico que da nombre al programa está presente en cancioneros españoles como Colombina (E-Scm Ms 7-I-28) y Palacio (E-Mp II-1335), pero también en portugueses como Elvas (P-Em 11793), ejemplificando la unidad cultural del espacio ibérico durante el siglo XVI. El programa integra piezas vocales, así como tientos, diferencias y ricercares. Texedores ofrece una perspectiva instrumental de estas piezas, con especial énfasis en la búsqueda de diferentes timbres y colores gracias a las diferentes posibilidades instrumentales de sus miembros y en la expresividad afectiva y la ornamentación.

Programa II:
SANA ME DOMINE

El programa que presenta Texedores, Sana Me Domine, aprovecha el quinto centenario que se cumple en 2026 del matrimonio entre Carlos V e Isabel de Portugal para aproximar piezas sacras polifónicas de ambos lados de la frontera. El programa pretende mostrar la unidad cultural del espacio ibérico durante el siglo XVI, con ejemplos de música recogida en fuentes españolas y portuguesas o con concordancias en fuentes de ambos países. El programa integra piezas vocales, así como tientos, diferencias y ricercares de algunos de los compositores más relevantes del s. XVI ibérico como Morales, Victoria y Guerrero o P. de Cristo y M. de Fonseca. Texedores ofrece una perspectiva instrumental de estas piezas, con especial énfasis en la búsqueda de diferentes timbres y colores gracias a las diferentes posibilidades instrumentales de sus miembros y en la expresividad afectiva y la ornamentación.

Anacronía

David Gutiérrez · Traverso barroco

Pablo Albarracín · Violín barroco

Luis Manuel Vicente · Viola barroca

Marc de la Linde · Viola da gamba

Marina López · Clave

Dossier ES
Dossier EN
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#barroco #clasicismo

Programa I:
EL CLÁSICO CONTINUO: LA SOCIEDAD BACH-ABEL

La floreciente escena musical de Londres no es ni mucho menos un fenómeno reciente. En el siglo XVIII, distintos organizadores privados establecieron un sistema de abono para conciertos en las salas más prestigiosas de la capital británica. Una de las series de conciertos más famosas de la segunda mitad del siglo XVIII fue la de Bach-Abel. Creada por la cantante y " celebrity " de la época Teresa Cornelys, vio la luz en 1765 con conciertos llevados a cabo en los propios salones de la soprano. Tres temporadas más tarde, Johann Christian Bach y Carl Friedrich Abel asumieron la dirección del ciclo, llegando a programar sus eventos en los prestigiosos salones de la Hannover Square, entre 1775 y 1781. La atmósfera de estas veladas era muy diferente a las de un concierto al uso de hoy en día. Si bien en la actualidad el espectador lleva a cabo la escucha desde un profundo silencio, en aquella época los asistentes podían charlar e intercambiar opiniones desenfadadamente desde la comodidad de sus butacas. Según testimonios de la época, el ambiente apasionado de estas veladas movía al público de la risa al llanto en cuestión de segundos. La música que se presentaba en estos conciertos era de la mejor calidad posible dentro del contexto musical de la época. Bach y Abel tocaban sus propias composiciones e invitaban a músicos de toda Europa a participar en estos eventos, como fue el caso de Juan Oliver Astorga. Compositor murciano, se trasladó a Londres en 1767, asistió a los conciertos de Bach-Abel y se convirtió en miembro colaborador y empleado de la sociedad. Igualmente se incluía repertorio de los músicos más destacados de la época, como pudieron ser Carl Phillip Emanuel Bach o Joseph Haydn. Uno de los aspectos más interesantes de la Sociedad Bach-Abel es la rica amalgama de sonoridades de diferentes épocas que coexistían en Londres en este tiempo. Carl Friedrich Abel, violagambista, y Johann Christian Bach, clavecinista; fueron testigos de la transición del barroco al clasicismo, pudiendo interpretarse este repertorio tanto con instrumentos propios del barroco (clavicémbalo o viola de gamba) como con otros más modernos (fortepiano o violonchelo). En 2023 se conmemora el 300 aniversario del nacimiento de Carl Friedrich Abel. Considerado el último gran violagambista, se trata de una figura de gran relevancia en el periodo conocido como "estilo galante", ubicado en los albores de un clasicismo incipiente en el que aún coleaban ciertos retazos del barroco.

Programa II:

MARIANA&MOZART: FIESTA EN MICHAELERHAUS

La vibrante escena musical vienesa en el último tercio del siglo XVIII consagró a muchos de los grandes nombres de la historia de la música. Sin embargo, y a pesar de su desbordante talento y -en numerosos casos- destacada posición social, fueron muchas las mujeres intérpretes y compositoras partícipes de este fenómeno que acabaron cayendo en el olvido. Por ello, y en homenaje a una de las más destacadas figuras femeninas de este contexto histórico- musical, Anacronía viajará en esta ocasión a la vienesa Michaelerhaus, edificio natal de la compositora, clavecinista y cantante Mariana Martínez; y residencia de artistas tan destacados como Pietro Trapassi “Metastasio ” , Nicola Porpora o Franz Joseph Haydn. Descendiente de una familia de militares españoles austracistas e hija del gentilhombre y nuncio papal Nicolás Martínez -acogido en la corte de Carlos VI de Austria tras la Guerra de Sucesión Española-, Mariana Martínez nació en 1744, y recibió desde niña una educación privilegiada, tutelada por el poeta y libretista Metastasio, quien pronto fue consciente del enorme talento musical que Mariana atesoraba. Metastasio residió en casa de los Martínez tras su nombramiento como Poeta Imperial, y encomendó la labor de instruir a Mariana en materias como composición, canto o teclado a destacados músicos del momento, como el flamante operista napolitano del barroco tardío Nicola Porpora; o un joven Joseph Haydn, quien se refería a Mariana como “la pequeña española ”. Las veladas de Mariana y Antonia Martínez en Michaelerhaus reunían a los más destacados músicos y artistas de la época. A la muerte de Metastasio en 1782, Mariana ya gozaba de un gran prestigio en la alta sociedad vienesa, y en torno al clavicémbalo que su mentor le legó como herencia -entre otros muchos bienes-, organizó junto a su hermana una serie de veladas musicales en las que participaban periódicamente los más destacados músicos del momento, entre ellos, Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn o un jovencísimo Ludwig van Beethoven. Según testimonios, Mozart y Mariana interpretaron en estas sesiones obras a cuatro manos al teclado, y se profesaron una gran admiración y respeto mutuo.

Programa III:

STURM UND BACH: LA HERENCIA GALANTE (Con Rita Morais)

«Inicialente estaba Bach..., y entonces todos los otros». Esta famosa frase de Pau Casals inspira a Anacronía para plantear un programa en torno a la figura de Johann Sebastian Bach como objeto de adoración hoy día, poniendo en este caso el foco en el denominado estilo galante, transición musical entre el barroco y el clasicismo, protagonizado por sus hijos Carl Phillip Emanuel y Johann Christian, entre otros, siendo ambos representantes de la emergente corriente artística del “Sturm und Drang” (tormenta e ímpetu). «Es el amado Dios de la música, a quien todos los compositores deberían elevar una oración antes de ponerse a trabajar», mencionó Claude Debussy sobre Bach. Considerado como el "gran creador" de la historia de la música y cuya obra marcó el legado de las generaciones posteriores, son muchos los que conciben a J.S.Bach como una figura “cuasi mesiánica”, sobre la cual se ha desarrollado un sentimiento de adoración casi religiosa a lo largo de la historia: «Todo ocurre en Bach» (Anton Webern), «El principio y el fin de toda la música» (Max Reger); «La música le debe tanto (a Bach) como la religión a su fundador» (Robert Schumann); «Una persona que —como yo— ha olvidado completamente el cristianismo, no puede evitar oír su música como si se tratase de uno de los evangelios» (Friedrich Nietzsche) . Johann Sebastian Bach muere en 1750, y para adentrarnos en su legado musical más inminente, hemos de sumergirnos en el estilo galante de sus hijos, para lo cual, dirigiremos la mirada hacia Londres. Una de las series de conciertos más famosas de la segunda mitad del siglo XVIII fue la de Bach-Abel. Creada por la cantante y "celebrity" de la época Teresa Cornelys, vio la luz en 1765 con conciertos llevados a cabo en los propios salones de la soprano. Tres temporadas más tarde, Johann Christian Bach y Carl Friedrich Abel asumieron la dirección del ciclo, llegando a programar sus eventos en los prestigiosos salones de la Hannover Square, entre 1775 y 1781. En estos conciertos, Johann Christian y Abel tocaban sus propias composiciones e invitaban a músicos de toda Europa a presentar sus obras, en un ambiente distendido. Según testimonios, la emoción de estos conciertos movían al público de la risa al llanto en cuestión de segundos. Así mismo, se interpretaban obras de los compositores más destacados de la época, como pudo ser Carl Philipp Emanuel Bach, referente en la corte de Prusia y hermano y maestro de Johann Christian Bach, cofundador de esta sociedad y conocido como “el Bach londinense”. Uno de los aspectos más interesantes de la Sociedad Bach-Abel es la gran amalgama de sonoridades de diferentes épocas que coexistían en Londres en este tiempo, y que inspira a Anacronía para establecer su peculiar instrumentación y sonoridad “abarrocada”. Carl Friedrich Abel, violagambista, y Johann Christian Bach, clavecinista; fueron testigos de la transición del barroco al clasicismo, pudiendo interpretarse este repertorio tanto con instrumentos propios del barroco (clavicémbalo o viola de gamba) como con otros más modernos que tomaban poco a poco protagonismo en las salas de concierto (fortepiano o violonchelo). El hecho de que la soprano Teresa Cornelys fundara esta serie de conciertos sirve de pretexto para incluir la voz como elemento central del programa, en torno a obras de Bach e hijos, que bien pudieron interpretarse en estas veladas dada la cercanía familiar de los autores. De esta forma, Anacronía plantea un programa marcado por la rica amalgama de sonoridades propias de este particular contexto en la historia de la música, interpretando a los Bach en el marco histórico de los hijos, con una estética instrumental quizás más cercana al padre, pero con un marcado acento galante y un ímpetu propio del “Sturm und Drang”, que nos hará meternos de lleno en un viaje desde el barroco tardío hasta los albores del clasicismo de la mano de Anacronía, Rita Morais y el siempre destacado y adorado apellido Bach.

Programa IV:

MARIANNA (Con Mercè Bruguera)

La escena musical vienesa del último tercio del siglo XVIII dio lugar a uno de los mayores focos de creatividad artística en la historia de la música occidental. Y para recrear este contexto, Anacronía se inmiscuirá en los recovecos de la emblemática “Michaelerhaus ” , edificio residencial de la céntrica Michaelerplatz de Viena, donde se dio uno de los más curiosos ejemplos de este fenómeno de efervescencia artística, pues en él cohabitaron destacadísimas figuras como el poeta imperial Pietro “Metastasio ” , el flamante operista tardobarroco Nicola Porpora o un joven y recién llegado a Viena Joseph Haydn. Aquí nació y creció la protagonista de nuestra historia, la destacada compositora, cantante y clavecinista Mariana Martínez (1744-1812), de ascendencia española, cuyo talento singular no tardó en cautivar hasta a la propia Emperatriz María Teresa, y cuya figura, como la de otras tantas mujeres compositoras e intérpretes de su época, ha acabado cayendo en el olvido a lo largo de los años. Pietro Metastasio (1698-1782), amigo íntimo y vecino de la familia Martínez, supo reconocer el talento musical que emanaba de la pequeña Mariana, y reunió a un destacado elenco de maestros, encargados de su formación. Entre ellos, curiosamente, destacaron algunos de sus vecinos, como el italiano Nicola Porpora (1686- 1768), que ya había instruido a grandes cantantes como Farinelli; y un Joseph Haydn (1744-1812) que, recién llegado a Viena, subsistía como asistente y acompañante al teclado de Porpora, y residía en un desván del último piso de la “Michaelerhaus ”. Más adelante, Haydn sería uno de los colaboradores más cercanos a Mariana Martínez, a quien se refería, con cariño, como “la pequeña española ”. Pero quien sin duda ejerció una mayor influencia a lo largo de los años en la conformación de la personalidad de Mariana, así como de su gusto por lo exquisito y de su indeclinable devoción por la cultura fue su preceptor, Pietro “Metastasio ” , con quien mantuvo una muy cercana relación a lo largo de los años. Fruto de ello fue la más que generosa herencia que el poeta le legó tras su muerte, la cual incluía una joya de gran valor simbólico: su clavicémbalo, en torno al cual los salones de la “Michaelerhaus ” se habían convertido un punto de encuentro entre los destacadísimos vecinos del edificio y selectos visitantes. Siguiendo la tradición de su mentor, Mariana continuó organizando estas célebres veladas, junto con su hermana Antonia. Tan destacadas reuniones no hicieron sino atraer durante décadas a lo más granado de la sociedad artística vienesa, como su amigo Haydn, Mozart, o un jovencísimo Beethoven. Como si de un encuentro casual en el rellano del edificio, una charla en los pasillos o una reunión en torno al clave de Metastasio se tratara, Anacronía buscará establecer un diálogo a los cuatro protagonistas de esta historia: Martínez, Haydn, Porpora y Metastasio, miembros de diferentes generaciones, estilos y sensibilidades artísticas que, durante un tiempo, convivieron en el mismo edificio. La lengua vehicular de estas discusiones será la de sus propias obras, ejerciendo la literatura del influyente Metastasio como hilo conductor entre piezas, ya que todo el repertorio estará vinculado a los poemas y libretos del poeta imperial. Recreando un encuentro casual de vecinos, Anacronía propone un programa espontáneo, fresco y de gran variabilidad emocional, con los movimientos de las distintas obras cruzándose entre sí, y con diferentes disposiciones en formación e instrumentación a lo largo del concierto. Dentro del repertorio, y destacando la figura de Mariana Martínez, Anacronía tratará de destacar su faceta de compositora (la Sinfonía en Do es considerada la primera sinfonía clásica compuesta por una mujer), cantante (cantatas sobre poemas de Metastasio) y clavecinista (repertorio para clave solista). Con todos estos elementos, Anacronía elaborará un diálogo imprevisible y fortuito, dejando que sean estos grandes genios los que nos hablen a través de su creación artística.

Aurora Peña y
Ferran Pisá

Duo de soprano y tiorba

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#barroco # sacra

Programa:
LUMI, POTETE, PIANGERE

PENDENT

La Trifora

Lucas Silva · Percussió

Johanna Unterpertinger · Flautes de bec

Maddalena Bortot · Viella

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#medieval

Programa:
MÚSICA SIN FRONTERAS

En el programa Música sin fronteras - Piezas instrumentales medievales sin texto, La Trifora explora la música instrumental sin texto de Italia y Francia a partir de tres de los manuscritos medievales más famosos, que abarcan desde el Manuscrit du Roi (siglo XIV) pasando por el Códice de Londres (finales del siglo XIV/principios del XV) hasta el Códice de Faenza (siglo XV). Nuestro objetivo es mostrar las diferencias y las conexiones entre las piezas, así como encontrar instrumentaciones coherentes y, por tanto, encantar al público con la belleza de los sonidos de épocas pasadas. En el programa se pueden encontrar éxitos de la época como istanpittas, saltarelli y un trotto, que arreglamos para hacerlos propios mediante la escritura de tenores y bordones históricamente informados, así como ampliándolos con la incorporación de patrones de percusión. No existe mucha información de referencia cuando se trata de la música de este periodo; sin embargo, estudiamos y trabajamos con las fuentes conservadas para ofrecer una interpretación históricamente informada. En cuanto a las posibilidades instrumentales, utilizamos todos los recursos a nuestro alcance, incluyendo flautas de pico soprano, alto y tenor, flautas y tambor, flauta doble, vielle, adufe, tar y tamburello, con el fin de captar la atención del público y mostrar la riqueza tímbrica que (probablemente) se empleaba en aquella época. Este programa no se concibe únicamente como una presentación frontal de las piezas, sino como una propuesta escénica que utiliza todo el espacio físico y sonoro del lugar donde se lleve a cabo.

Música de cambra

Souvenir de París

Miquel Pérez · Guitarra

Magdalena Martínez · Flauta travesera

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#duo #impresionismo

Programa:
MÚSICA PARA FLAUTA Y GUITARRA

Souvenir de París es una invitación a recorrer algunos de los paisajes sonoros más evocadores de la música francesa y de imágenes cosmopolitas y urbanas de entre finales del siglo XIX y mediados del XX. A través de la combinación de flauta y guitarra, formación de gran riqueza tímbrica y carácter íntimo, el programa propone un viaje de recuerdos, atmósferas y estilos que encuentran en París su eje simbólico. La Sarabande de Francis Poulenc, en versión para guitarra sola, abre el concierto con un gesto contenido y elegante, casi ceremonial, que da pie a la refinada melancolía de la Pavana de Gabriel Fauré. Ambas obras remiten a formas antiguas reinterpretadas desde una sensibilidad moderna, donde la claridad formal convive con una profunda carga expresiva. Erik Satie, con su Gymnopédie nº 1 y la Gnossienne nº 1, aporta un lenguaje desnudo y esencial, suspendido en el tiempo, que rehúye el virtuosismo para concentrarse en la sugestión y el silencio. El programa continúa con la sensual Pièce en forme de Habanera de Maurice Ravel, ejemplo perfecto del gusto francés por la danza estilizada y el color exótico, y con el vibrante Entr’acte de Jacques Ibert, obra de carácter ligero y teatral, llena de contrastes y vivacidad rítmica. Syrinx de Claude Debussy, para flauta sola, constituye uno de los momentos más introspectivos del concierto, un monólogo libre y evocador que explora la sonoridad del instrumento con una libertad casi improvisatoria. Cierra el programa Histoire du tango de Astor Piazzolla, una obra que, desde Buenos Aires, mira también a Europa y a París. Sus cuatro movimientos trazan una evolución histórica y estilística del tango, desde sus orígenes más crudos hasta una escritura contemporánea y concertante, poniendo el broche final a este recorrido que une tradición, modernidad y memoria sonora presentado por dos músicos de reconocida trayectoria nacional e internacional.

Aurora Peña y 
Juan Songel

Duo de soprano y pianista

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#lírica

Programa:
BOHEMIÈNNE

PENDIENTE

Carla Sanmartín y
Giorgio Celenza

Duo de mezzosoprano y pianista

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#lírica

Programa:
DE LA TORMENTA A LA CALMA

De la tormenta a la calma es un programa lírico que busca acompañar al oyente en un viaje íntimo y transformador, desde el caos emocional hasta la serenidad. La selección de obras, cuidadosamente hilvanadas, refleja el recorrido humano ante las adversidades: ese momento en el que nos sentimos diminutos y desvalidos, abrumados por las fuerzas del mundo, la naturaleza y nuestras propias inseguridades. Es un espacio donde no existe el reposo, donde luchamos contra viento y marea, y donde la angustia parece dominar el paisaje interior. El programa comienza con piezas que encarnan la tempestad, como Ich hab’ ein glühend Messer de Mahler y Erlkönig de Schubert, donde el dolor y la desesperación se manifiestan con crudeza. Estas obras nos sumergen en un mundo de lucha y desasosiego, donde el ser humano se enfrenta a lo que lo supera. Sin embargo, a medida que avanza el repertorio, la música y las palabras trazan una salida sutil pero firme hacia la calma. Obras como Gretchen am Spinnrade de Schubert y Nur wer die Sehnsucht kennt de Tchaikovsky introducen matices de nostalgia y anhelo, emociones que, aunque melancólicas, ya contienen destellos de esperanza. El Notturno de Respighi y Paradise Regained de Albéniz actúan como puentes hacia la quietud, invitando a la reflexión y al descanso. El viaje culmina con piezas que simbolizan la llegada a un lugar de paz: L’invitation au voyage de Duparc, Clair de lune de Debussy y Fauré, y Du bist die Ruh y Morgen, de Schubert y Strauss respectivamente. Estas obras, impregnadas de serenidad y luz, ofrecen al oyente una imagen final de esperanza y futuro. Aquí, la música se convierte en un bálsamo, recordándonos que, incluso en los momentos más oscuros, la calma siempre está al alcance. En este viaje, los intérpretes —la mezzosoprano Carla Sanmartín y el pianista Giorgio Celenza— aportan una sensibilidad única, capaz de transmitir tanto la intensidad de la tormenta como la delicadeza de la calma. Sanmartín, con su voz cálida y expresiva, da vida a cada palabra y emoción, mientras que Celenza, con su dominio del piano, teje un acompañamiento que realza la narrativa musical. Juntos, crean un diálogo íntimo y poderoso, guiando al público a través de este recorrido emocional. De la tormenta a la calma no es solo un concierto, sino una experiencia compartida. A través de la voz y el piano, el oyente es invitado a recorrer su propio viaje interior, desde la oscuridad hacia la luz, descubriendo que, en el arte, el alma encuentra refugio y el corazón, paz.

Arsis

Belén Roig · Soprano

Miquel Pérez · Guitarra

Fernando Pascual · Violín

Aida Velert · Piano

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#cámara

Programa:
EN LLAMAS

El programa “En llamas” de Arsis Ensemble, formado por Fernando Pascual, Belén Roig, Aida Velert y Miquel Pérez Perelló, propone un recorrido sonoro que combina virtuosismo, emoción y colorido tímbrico a través de la guitarra, piano, violín y soprano. Este cuarteto de músicos valencianos de gran renombre se distingue por la calidad, la originalidad y la fuerza expresiva de sus interpretaciones, combinando composiciones originales para la formación con arreglos propios de obras de compositores europeos y latinoamericanos. La primera parte nos introduce en la lírica y el virtuosismo de la tradición española y latinoamericana. Obras de Joaquín Rodrigo y Heitor Villa-Lobos muestran la riqueza melódica y la elegancia de la escritura para guitarra y piano, mientras que la canción francesa de Francis Poulenc aporta refinamiento y delicadeza. La presencia de Federico García Lorca en una selección de canciones populares aporta el carácter más folclórico y enérgico, con ritmos vivos y melodías reconocibles que establecen un contraste estimulante dentro del programa. En la segunda parte, el cuarteto se centra en obras más íntimas y expresivas, explorando la interacción entre guitarra y voz en composiciones de Ernesto Halffter, Jayme Ovalle y Alberto Ginastera, y culmina con las Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla, donde la variedad de ritmos, tonalidades y colores instrumentales evidencia los contrastes de la música española y la creatividad de los arreglos del cuarteto.

Solistes

Miquel Pérez Perelló

Guitarrista

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#guitarra

Programa:
CAMINO Y CUERDA

El virtuoso guitarrista Miquel Pérez Perelló nos invita a un viaje musical que recorre siglos, estilos y geografías a través de la guitarra en “Camino y cuerda”. Desde la estructura y claridad del barroco hasta la riqueza rítmica y emocional de la música mediterránea y latinoamericana, este programa pone en evidencia tanto la versatilidad del instrumento como la sensibilidad y el virtuosismo del intérprete. Además, algunas de las obras incluidas son composiciones propias, que aportan una voz contemporánea y personal al repertorio. La primera parte nos introduce en la tradición europea con obras de Johann Sebastian Bach, Fernando Sor e Isaac Albéniz, combinando profundidad, elegancia y lirismo. Desde la arquitectura contrapuntística del barroco hasta la expresividad del clasicismo español y los colores evocadores del paisaje andaluz, esta sección establece un equilibrio entre rigor musical y emoción poética, preparando al oyente para los contrastes de la segunda mitad. En la segunda parte, el programa se sumerge en un universo más íntimo, lleno de claroscuro y dinamismo. Las composiciones de del propio intérprete presentan un lenguaje contemporáneo que dialoga con la tradición española, mientras que obras de Ernesto Halffter y Francis Poulenc aportan refinamiento y sensibilidad europea. La música de Antonio Lauro y Carlos Gardel nos transporta a ritmos cálidos de Venezuela y Argentina, con danzas y tangos que llenan de alegría, nostalgia y energía la experiencia sonora. Este programa propone un recorrido que combina historia y modernidad, técnica y sentimiento, tradición y creatividad personal. La guitarra se convierte en puente entre culturas, estilos y épocas, mostrando cómo sus cuerdas pueden transmitir emociones universales de la mano de este solita y compositor de reconocimiento nacional.

Aurora Peña

Soprano

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#cantante

Carla Sanmartín

Mezzosoprano

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#cantante

Altres músiques

Miquel i Maria

María Moreno · Flautas, clarinete y voz

Miquel Pérez · Guitarras, bajo, tiorba y voz

Antonio Sánchez · Percusión y efectos

Cristobal Rentero · Zanfoña y cuerdas

Jordi Moreno · Violín y acordeón

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#de_autor

Programa:
FINES HERBES, MEL I ROMER

La colaboración artística entre María Moreno y Miquel Pérez se remonta al año 2014, con la obra "Homer, la Odisea", un proyecto interdisciplinario que combina literatura, música y artes plásticas. Esta producción se representó en las principales salas de concierto valencianas y, posteriormente, se reedito en inglés y castellano en 2017. Desde aquella primera colaboración, María y Miquel han grabado y trabajado juntos en diversos proyectos literarios, entre los que destacan "Cants d’amor i de mort" de Ausiàs March (2017) y "El Collar de la Coloma" de Ibn Hazm de Córdoba (2022), un encargo de la Biblioteca de Játiva con motivo del milenario de la publicación del poemario. En 2017, también grabaron su primer trabajo de canciones, "Sense meta ni rumb", donde presentan composiciones propias y poemas musicados de autores valencianos. En el ámbito de los conciertos y recitales poéticos, han dedicado programas a autores universales como Federico García Lorca o Antonio Machado. Uno de los momentos más destacados fue el recital junto a Vicent Camps en Vila Amparo (la casa de Rocafort donde el poeta se refugió antes de su exilio). Asimismo, colaboran regularmente con la poeta Maria Josep Escrivà y, recientemente, han musicado "L’Hotel París" de Vicent Andrés Estellés, junto al rapsoda Tomàs Llopis. "Fines herbes, mel i romer" es su último trabajo, donde presentan canciones propias, versiones y poemas musicados. Este programa lo ofrecen tanto a dúo como en versión banda, con la colaboración de Antonio Sánchez, Cristóbal Rentero y Jordi Moreno.

Night and Day

Aurora Peña · Voz

Fernando Pascual · Violín

José Enrique Bouché · Violoncello

Aida Velert · Piano

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#siglo_xx #musical

Programa:
DE PARÍS A BROADWAY

Entre las primeras décadas del siglo XX y los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, la canción escénica experimentó una transformación decisiva. París y Nueva York se consolidaron como centros creativos donde la tradición de la opereta europea, la chanson francesa y el lirismo postromántico se encontraron con la energía urbana del jazz y el nuevo teatro musical americano. Compositores como Gershwin y Porter incorporaron sofisticaciones armónicas propias del sinfonismo europeo a melodías de inmediata comunicación, mientras Kurt Weill exploraba una estética híbrida entre cabaret, ópera y teatro político. Harold Arlen aportó al musical una profundidad expresiva que trascendía lo puramente popular, y Leonard Bernstein llevó el género a una dimensión sinfónica y dramática inédita, integrando técnica clásica y vitalidad contemporánea. Este programa no propone una simple sucesión de números célebres, sino un recorrido estilístico que revela los vasos comunicantes entre continentes y tradiciones. La alternancia entre piezas vocales e instrumentales configura una arquitectura dramática continua, donde la elegancia melódica convive con el virtuosismo, la intimidad y el brillo teatral. La llamada Edad Dorada de la Canción Escénica no fue solo un período de éxito comercial, sino un momento de síntesis cultural: la escena se convirtió en espacio de diálogo entre lo culto y lo popular, entre la nostalgia europea y la modernidad americana. Night and Day recupera ese espíritu con una mirada contemporánea, manteniendo la fidelidad estilística y la voluntad de comunicación directa con el público actual.

Folía

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#musical

SINOPSIS

PENDIENTE

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